The art of the imperfect

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No one needs to give up on anything!!! just find new ways, innovative ways or creative ways to do what you want. Never let anyone tell you that you can’t or that you’re not worth it!!!! Live your life, work with you obstacles and handicaps to do what you love!!!

El Jardín de las Delicias

De: El Bosco, Hieronymus van Aeken
(1500)

El Jardín de las Delicias es una de las obras más conocidas del Bosco. El medio pictórico de este tríptico de origen renacentista es el óleo sobre tabla. Para poder entender el significado de esta obra enigmática es necesario ver, que representa cada panel. Cuando vemos el tríptico cerrado muestra el final del tercer día de la creación. El tríptico abierto (que es el que vemos en esta imagen) a mano izquierda vemos el Jardín del Edén o mejor conocido como el paraíso. En primer plano vemos a Cristo en medio de Adán y Eva. A su izquierda podemos ver el árbol del drago o mejor conocido como el árbol de la vida, por estos elementos podemos llegar a la conclusión de que esta tabla del tríptico trata sobre la presentación de Eva a Adán. También podemos ver en el medio la fuente de los cuatro ríos del Paraíso, y a la derecha se encuentra el árbol de la ciencia del bien y el mal con una serpiente enrollada en el tronco. El panel central que es el que le da nombre a la obra, muestra un sinnúmero de figuras humanas desnudas, animales, plantas y frutas. En la esquina derecha se encuentra Adán y Eva luego de ser expulsados del paraíso. Todas las figuras se encuentran desnudas representando una sociedad entregada al pecado. Muestra hombres y mujeres teniendo realaciones con mucha carga erótica representativa del tema dominante de esta obra, el pecado de la lujuria. En el plano central de este panel se encuentra un cuerpo de agua lleno de mujeres desnudas y a su alrededor hombres montando a caballo representando los pecados capitales. En el último panel de a derecha se ve representado el infierno también conocido como «el infuerno musical» por la presencia de los intrumentos musicales utilizados para torturar a los pecadores. Si en el panel del medio (el jardín de las delicias dominaba la lujuria, en el Infierno reciben su castigo todos los pecados capitales.

La Capilla sistina

La Capilla sistina

La Capilla Sistina de Miguel Ángel se encuentra en el Vaticano en Roma, Italia. Miguel Ángel solo pintó el techo de 1508 a 1512 y culminó su encomienda 54 años después pintando el último juicio en el altar de 1536 – 1541. Los frescos de las paredes fueron creadas por un pintor del sigo XV. Al principio Miguel Ángel no quería la encomienda pues estaba trabajando en el complejo de tumbas del Vaticano. Para el año 1508 decidió aceptar el reto y comenzó a trabajar inmediatamente creando su propio andamio. Pasó por muchos malestar físico teniendo que retorcer su cuerpo para poder trabajar en el techo, tambén se intoxicó varias veces por la pintura. El olor y la pintura que le caía en los ojos fueron de los factores que contribuyeron a la intoxicación. En este Link encima de la foto podemos ver la capilla Sistina parte por parte. Vemos también un mapa de como esta organizado la historia biblica en el techo de la misma.

Infierno de Dante

Infierno de Dante

Esculturas de Arena! IMPRESIONANTE! Esta competencia de esculturas de arena era recrear los 7 infiernos de Dante. En la interpretación de este artista podemos ver el proceso de la escultura y como la va creando de arriba hacia abajo. Que lo disfruten! (Hagan «Click» sobre la palabra Infierno de Dante subrayado)

Glorificación del Reino de Urbano VIII

De: Pietro de Cortona
(1633-1639)

La Glorificación del Reino de Urbano VIII es un fresco en el techo del Palacio de Barberini localizado en Italia adquiere su nombre el Palacio pues se encuentra al frente de la plazoleta con el mismo nombre. El fresco pertenece a la época del Barroco en el siglo XVII. El fresco muestra providencia divina la llave de la Iglesia y la tiara papal. El escudo de Barberini lo podemos ver integrado por las abejas dentro de una corona de laurel representando el poder de la fé, la caridad y la esperanza. Esta escena principal se encierra en lo que parece ser un marco ilusionista, parcialmente oculto por guirnaldas de ficción, medallones, máscaras, esculturas y otros elementos decorativos. Las escenas de los parámetros exteriores del fresco son representaciones mitológicas que se refieren a los hechos del Papa: Minerva, representa la destrucción la insolencia y orgullo por su valiente lucha contra la herejía. Sileno y los sátiros, representan su capacidad para superar la lujuria. Hércules expulsando las Arpías (mitad mujer mitad pájaro que hacian cumplir los castigos de Zeus) para su sentido de la justicia, También podemos ver el templo de Jano símbolo de su prudencia. El techo del gran salón del Palacio Barberini estaba destinado a visitantes y difundir temor sobre el poder q tenía la iglesia en esos tiempos. El dinamismo de la escena, con su contenido alegórico y la elaboración, no se había visto antes en el arte. Con esta obra, Cortona abrió un nuevo universo de posibilidades en el campo de la pintura al fresco del techo. Pietro de Cortona fué uno de los máximos exponentes de la pintura, arquitectura y decorador de interiores de la época del Barroco. Trabajó primordialmente en Florencia y en Roma donde competía constantemente con sus rivales Gianlorenzo Bernini y Francesco Borromini. Si haces «Click» sobre la obra de arte podrás ver otra perspectiva de la misma.

Cristo Velado

De: Giuseppe Sanmartino
(1753)

Giuseppe Sanmartino era un escultor italiano. Su primer trabajo encomendado fué el Cristo muerto localizado en la capilla Sansevero en Nápoles. El trabajo había sido encomendado al escultor veterano Antonio Corradini pero éste muere en el 1752 dejando solo un modelo hecho en terracotta. Sanmartino interpretó el modelo de foma libre y creó un trabajo de tamaño real que demostró la abilidad y la capacidad madura que tenía como artista. Este trabajo le ganó el respeto y la admiración de Nápoles. La escultura pertenece a finales del Barroco y principios del Rococó, pero sus características realistas lo ubican más en el Rococó que en el Barroco. Podemos ver a Cristo acostado sobre lo que parece un pequeño matre y dos almohadas de lujo. A sus pies podemos ver la corona de espinas que representan su sufrimiento y las esposas que representan la opresión y el maltrato durante su via crucis. El cristo que vemos tiene una cara sobria y relajada de muerte. El velo que moldea su cuerpo es una técnica que muchos expertos no se explican como Sanmartino logró en su época.
Al hacer click sobre la obra podrás ver un «ZOOM» del rostro de Cristo.

Increíble arte hecho en Tiza

Es increíble como hay tantas maneras de ser creativo con el arte. Algo que nunca voy a entender de algunos medios de arte (como el arte con tiza en las calles, las esculturas de hielo o los castillos de arena) es como crear algo tan grandioso e increíble para tan solo un poco tiempo de apreciación, como pasar tanto trabajo para un producto final temporero.

La Muerte de Sardanápalo

De: Eugène Delacroix
(1827)

Delacroix era uno de los pintores prominentes de la época del romanticismo junto a su rival Theodore Gericault ambos de Francia. Su pintura se distinguía por el uso sobrio del color. Utilizaba la técnica del Colorito (Hacer el dibujo directo en el canvas para luego modificar a gusto el diseño con pintura) en vez de Disegno que es crear el diseño a parte en un papel hasta perfeccionarlo para luego pasarlo al canvas. También podemos identificar su estilo de arte por los patrones vivos y la energía en los grupos de figuras. La pincelada espesa contribuye al carácter de la imagen y la textura del cuadro. Rompe con las tradiciones clásicas de la pintura desarrollando expresiones emocionales, diversidad de texturas y el dibujo libre directo al lienzo. La muerte de Sardanápalo fué inspirada por una obra de teatro con el mismo nombre, de Byron. Sardanápalo era un rey legendario de Asiria (ciudad en el sur oeste de la antigua Mesopotamia, actualmente pequeña ciudad llamada Mosul en Irak) Era un rey culto y poco violento, su imperio cae porque fué traicionado por sus oficiales y sus asesores. Sardanápalo acepta esta traición pero no dejó que sus traidores se quedaran con su palacio. Se suicida junto a su concubina favorita Myrrha, quemando el palacio con ellos dentro de el. Tanto en la obra teatral como la interpretación de Delacroix muestran a Sardanápalo en una posición meditativa y relajado con Myrrha a sus pies en el medio de la violencia y la mascre de sus sirvientes. Delacroix lo recuesta en una cama roja lo que acentúa la sensualidad de la escena, le hace referencia a la sangre derramada y las víctimas indefensas. A la esquina derecha podemos ver la ciudad rodeada de humo, en la esquina de abajo a la izquierda podemos ver un negro tratando de controlar a un caballo ya moribundo porque tiene la cabezada de oro. Podemos ver la riqueza del medio oriente en la joyas y los artefactos expuestos en la parte de abajo al centro del cuadro. Las características del romanticismo que podemos ver en el cuadro son: El uso de la curva exagerada, mucho movimiento, representación del ser humano y los hechos que lo afectan, lucha interna, luz dramática con mucha violencia, el uso de bestias junto al ser humano (los animales irrumpen en la escena), y el uso del color rojo que representa la violencia.

Paint Jam!!!!!

El arte es una forma de expresión increible!!! Estos artistas inspiran a cualquiera a dar el máximo en lo que nos apasiona! Por esto es que me ENCANTA el arte, ver la capacidad que tiene el ser humano de crear con sus manos lo que siente, su interpretación de lo que ve o hasta poder llevar a un canvas lo que imaginan es digno de admirar.

Plutón y Perséfone

De: Gian Lorenzo Bernini
(1612-1622)

La escultura pertenece a la época del Barroco y es conocida por tener mucho movimiento, ser expresivo, dramático, emocional, tener paños flotantes (paños y telas que parecen estar en movimiento del viento), desnudes del mundo clásico, ser cargado, tener linea curva dominante y el material principal era el marmol. La escultura barroca también era conocido por el naturalismo (representan las cosas como son y los sentimientos) tenía contrastes lumínicos y utilizan temas mitológicos, religiosos y retratos. Gian Lorenzo Bernini era arquitecto de los papas del siglo XVII (Alejandro XVI) se destacó por la arquitectura, escultura y pintura. Era rival de Francesco Borromini. El trabajo más conocido de Bernini es la columnata plaza de San Pedro. La escultura de Plutón y Perséfone representa el momento más violento en la mitología griega diseñada para explicar el cambio de temporadas. La escena nos muestra el secuestro de Perséfone hija de Ceres la diosa de la agricultura. Plutón es el dios del mundo subterráneo de la mitología romana quiere a Perséfone de esposa. Las dos figuras se encuentran en contraposición, Plutón enterrando sus manos en el cuerpo de Perséfone y Perséfone empujandolo y peliando su agarre. En el piso sentado se encuentra un cerbero ( perro de tres cabezas guardián del mundo subterráneo). Bernini crea una tensión erótica entre Plutón y Perséfone por la combinación de pose y gestos (características del estílo barroco). Perséfone empuja a Plutón pero agarra su corona y vira su cuerpo hacia él a cambio Plutón la agarra más serca y de forma seductora. Perséfone está comprometida a Plutón por seis meses ( invierno y otoño). Como ya mencioné el secuestro de Perséfone explica el cambio en temporadas. Un día Ceres encuentra a Perséfone comiendo semillas de granate del jardín de Plutón y esto la condena al secuestro de seis meses por año. Cuando Plutón se la lleva Ceres está en busqueda de su hija, mientras Ceres está de luto la naturaleza muere muere y llega el invierno. Cuando llega la primavera y el verano es cuando Plutón deja ir a Perséfone para estar con su madre. Está claro que esta escultura representa una lucha emocional. el cuerpo de Plutón es inspirado en el mundo elenístico pero no se trabajan los desnudos completos pués Bernini trabajaba para el vaticano. Bernini era el Padre del realismo (el tocar de las esculturas parece piel de verdad). La escultura de Plutón y Perséfone tiene el perfecto ejemplo de realismo si vemos un «ZOOM» del agarre de Plutón en Perséfone se darán cuenta. Hagan Click sobre la foto para poder ver el acercamiento que les hablo.